今回は、【SMAP】の夜空ノムコウのカラオケ解説です。

SMAP初のミリオンセラーと言うことで、

SMAPと言えばこの曲という人も少なくないんじゃないかと思います。

これまたカラオケランキングでも、上位にはいっている定番曲ですね。

スガシカオ氏のセルフカバーなんかも出てたり、

はたまた、中学校の教科書に掲載されていたり、今後とも年齢問わずに愛されていくんじゃないかと。

それでは、カラオケ解説行ってみましょう！！

前回の、らいおんハートのカラオケ解説も載せておきますので、気になる方はこちらもぜひ。

らいおんハート　【SMAP】カラオケ解説〜定番曲編〜

存在感のコントールを！！

サビ始まりのこの曲ですが、

この部分は、中居氏、木村氏の2人の始まりになっています。

レコーディング後の、ボリュームバランスの調整でどのようにでも出来てしまう事はひとまずおいておきまして、

冒頭のサビは、中居氏のニュアンスがかなりしっかり聞こえてきます。

木村氏の中低音の響きが、後ろで支えているような聞こえ方のバランスになっています。

仮に、2人の歌声を均等に音量調節をしても、このような聞こえ方になるんじゃないかと思います。

喉仏の下がり具合が違う。

人それぞれ、声質が違うのは当たり前なんですが、

とある部分では、SMAPの中でもかなり特徴的な2人が一緒に歌っているので、この際に解説を。

この2人、喉仏の下がり具合、もしくは上がり具合と言った方がピンとくる方もいると思いますが、

喉仏周りの筋肉の使い方がかなり違います。

• 中居氏は喉仏が上がり気味
• 木村氏は喉仏が下がり気味

になっています。

これによってどんな違いがあるかと言うと、

• 喉仏が上がると、声は固めで、アタックが早くなります。
• 喉仏が下がると、声は太めで、アタックが遅くなります。

喉仏が上がりすぎると、喉絞め声になりやすいので注意が必要です。

中居氏がバラエティーで、大げさにしゃがれた声で歌っているような時は喉仏がかなりあがった状態になっています。

普段の喋り声に注目。

引き続き、2人の喋り声に注目して解説していきましょう。

中居氏のしゃべり声が高く、

木村氏の方がしゃべり声が低いですね。

結構見落としがちなんですが、

普段の喋り声が歌に与える影響と言うのはとても大きいです。

ここで説明する高い低いは、音程に加えて周波数です。

高い周波数なのか、低い周波数なのか。

例えば、自分はもっと低めの太い声を出したいと言うのであれば、

普段から少し喉仏を下げ気味にして話すようにすると、

自然とその筋肉を使うことになり、自ずと鍛えられていくことになります。

ここで注意しといた方がいいポイントが、先ほども説明したように、

喉仏は上げすぎると、喉がしまっていきます。

この状態は、喉に負担がかかる状態なので、あまり極端にはやらないようにしてください。

だからと言って、下げりゃいいってものでもなく、

喉仏は下げすぎると、母音が鳴りすぎて、声の明瞭さがなくなってしまいます。

どちらにしても、やりすぎは注意しつつ、自分の出したい声のイメージを持って、

日常の会話に少し取り入れてみると、歌にも変化が出てくるのでお試しください。

Bメロのソロ部分をお手本にダイナミクスをつけてみる。

冒頭のサビの部分と、Aメロの部分は、どちらもデュエットになっています。

かたや、Bメロはソロパートになっており、１番も２番も木村氏が担当しています。

デュエットに比べてソロの部分は、抑揚や細かいニュアンスが分かりやすいので、

この部分のダイナミクスの付け方を参考にしてみましょう。

【君が何か伝えようと】

この部分は、デュエットからソロへのバトンタッチなので、しっかりと場面転換をしています。

Aメロから同じ雰囲気、同じ流れで歌おうとした場合は、このような歌にはなりません。

もちろん、Aメロから同じような雰囲気で歌うこともありますが、この曲の関しては、

スムーズに転換はしておらず、グッと聞き手を惹きつけるようにしています。

【にぎりかえしたそのては】

この赤文字の部分を、かなり特徴的に歌っています。

この部分は、

• 子音強め。
• 息多め。

です。

子音をしっかり言おうとすると、自然と息も早く出ていくので、

大げさに息を吐こうとはしなくて大丈夫です。

歌番組などで、木村氏の表情がパッと変わる時は、この歌唱になっている場合が多いです。

もっと、ざっくり言うと、

カッコつける時です。

木村氏の場合は、この言い方の方が伝わるんじゃないかと思ったり…

実際カッコいいですしね。

逆に、平然と歌ってると、こういう歌い回しにはなりません。

表情をイメージする。

もう１つのソロパートでも説明します。

表情をイメージしながらCDを聞いてみてください。

【君に話した言葉は】

さて、このフレーズでどの部分がカッコよかったですか？

人それぞれあると思うんですが、

私はここ。

【君に話した言葉は】

赤文字の部分、

めちゃくちゃ吐息が漏れていて、顔も少しクシャっとなっているようなイメージ。

これでもかっていうくらいに、やってますね。

サビでも色々な部分でやっていますが、5人で歌っていると、

詳細まで聞き取るのが難しいので、

デュエットとソロのコントラストが分かりやすいこの曲で、しっかりと把握しちゃいましょう。

前回もそうだったんですが、

SMAPの曲は、曲の解説だけじゃなくて、

メンバーの歌い方解説なんかもしてたりするので、全然文字数が足りません…

今回サビまで行っとりませんし….

引き続きSMAPの曲は、解説していくので、

曲のリクエストしかり、夜空ノムコウの別の部分も解説してほしいなんてリクエストがあれば、コメント欄へ。

以上、夜空ノムコウ【SMAP】カラオケ解説〜定番曲編〜　でした。

次回も引き続きSMAPの曲を解説していきたいと思います。

お楽しみに！！

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今回は、【SMAP】のらいおんハートの歌い方解説をしていきます。

２０００年発売のこの曲ですが、

リリースから現在まで、常にカラオケランキングに入っている大定番曲です。

SMAPに限らず、ジャニーズの曲はキャッチーで、音程もそこまで高くない曲が多いので、

レッスンでもよくオススメしています。

SMAPだと、

【らいおんハート】

【世界に一つだけの花】

【夜空ノムコウ】

この３曲をオススメすることが多いです。

今回は、らいおんハートの解説ですが、他の２曲も解説していくのでお待ちください。

それでは、歌い方解説に行ってみましょう！！

歌い始めに要注意…

歌い安くてオススメとは言ったものの、難しい部分はもちろんありまして…

この曲は、歌い始めが地味に難しいんです。

１番の入りは、木村氏がサラッと歌ってるのでなかなか気づきにくいかもしれないんですが、

歌ってみるとこれがなかなか難しい…

同音連打から始まる。

まず難しい要素の１つが同音連打です。

何のことかと言いますと、文字通り、

同じ音程が繰り返されます。

こうやって書くと、簡単そうに見えるかもしれないんですが、

例えばサビの部分、

【そのために生まれてきたんだ】

ここの部分のメロディーは、メロディーの起伏がしっかりついています。

こういった部分は、そもそもメロディーラインがグッとくる流れになっているので、

普通に歌っているだけで、良い曲だなぁって印象を与えることが出来ちゃったりします。

対して、冒頭の、

【きみは】

この３文字、同じ音程が続くので、そのニュアンスは歌い手によってかなり印象が変わってきます。

もちろん他の部分も歌い手によって印象は変わるんですが、

言い方を変えると、同音連打の部分は

歌い手が何かしらの工夫をしなければいけないということです。

【笑うそばからほら】

この部分がかなり分かりやすいでこの部分で説明していきましょう。

メロディーラインは、きみは〜から始まる部分と同じです。

何度か注意して聞くとよくわかるんですが、

【わ・ら・う・そ・ば・か・ら・ほ・ら】

こんなイメージです。

音が繋がってないんですね。

【わらう〜】

ってよりは、

【わ・ら・う】

この曲が１６ビートという、比較的細かいリズムの曲なので、

それに合わせて歌も歯切れよくなっています。

同じメロディーでも印象が違う。

ジャニーズに限ったことではないんですが、

グループで歌っている場合、

１番と２番で、同じメロディーを違うメンバーが歌います。

こういう部分はほんとに参考になります。

同じメロディーの違ったニュアンスを聞けるので、自分の引き出しが増えます。

あんまり自分で歌うことがないというファンの人も、

◯◯は、こういうニュアンスで歌っているから、こんな印象になるんだっていう、

ちょっとマニアックな、SMAPの曲解説ができるようになっちゃったりします。

１番の木村氏と、２番の稲垣氏を比べてみるとよく分かります。

歯切れよく歌っている木村氏に対して、稲垣氏は、

全体的に、割と繋げて歌っています。

稲垣氏は、割と口先で響かせるように歌うので、

それもあいまって、

囁いているような、優しい雰囲気になります。

これは、どちらじゃないといけないっていうわけではなく、

各々の個性がしっかり出る部分だったりします。

自分が歌う時なんかは、自分なりの解釈があっていいわけですね。

モノマネとかは、また別の話になりますが。

サビの高音部分を綺麗に出すには。

この曲で難しく感じている人が１番多いであろう部分は、

サビの高音部分です。

特に男性は、

メロディーの上昇部分でひっくり返ってしまったり、

喉声になってしまうという人が少なくないんじゃないかなと思います。

これの原因は、この曲の最高音が、

男性の地声の最高音（G）になっているから。

です。

地声でGの音より高い音が出る人も沢山いるんですが、

平均的な男性の最高音は（G）です。

それ以上の音まで出る人でも、レッスンでは、地声の発声では出さないで歌ってもらうことが多いです。

これ以上高い音の場合は、ミックスボイスで歌っていくわけですが、

この曲の最高音はGなので、ここでは地声を詰まらずに出すコツを。

高音の出しやすい母音を探す。

サビの高音部分をさらに難しくしている要因が、

歌詞の母音です。

【きみをまもるため】

【あきれるほどに】

この赤字の部分が、G音です。

【る】母音　う

【ど】母音　お

母音、うとおは、口の下あたりに響きやすい母音になっています。

上に響きやすい母音は、

いとえです。

人によって高音が出しやすい、母音が多少違うんですが、

どちらかと言うと、いとえの口の開け方の方が高音が出しやすいという人が多いです。

それを確かめる方法として、

1. あいうえお、全部の母音でサビを歌ってみる。
2. 比較的出やすかった母音をチェックしておく。
3. その母音の口の開き方を維持したまま歌詞を載せて歌ってみる。

このような順序で練習してみてください。

そこから不自然にならない程度に、元々の言葉の口の開き方を加えていくような形です。

地声の最高音が、G音の人は、

【る】や【ど】は、喉絞め発声になってしまうことが多いので、

これを避ける為に、下顎あたりに声が詰まらない口の開け方を見つけてみてください。

【君を守るため　そのために生まれてきたんだ】

こんな大事なことを伝える場面で、苦しそうにならない為に、

ただ曲を練習するだけじゃなく、

このような形で分解して、練習してみてくださいね。

以上、らいおんハート　【SMAP】カラオケ解説〜定番曲編〜

次回も、【SMAP】の定番曲の歌い方解説をしていくのでお楽しみ！！

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今回は、今やカラオケランキングの定番曲なっているこの曲【３６６日】です。

HYと言ったらこの曲という方も多いんじゃないかなと思います。

分かりやすい歌詞のストーリーと、

キャッチなーサビのメロディーライン。

ボーカル仲宗根泉氏の、感情表現豊かなテイク。

どんな時代、どんな世代にも、このような恋愛ソングが大好きという方も多いですね。

クラシックに歌い継がれる曲に育った【３６６日】

カラオケ解説に行ってみましょう！！

立体的な歌を目指そう。

以前紹介した、AM11:00もそうでしたが、

今回の曲に関しても、シンプル目なアレンジになっています。

AM11:00【HY】〜デュエット編〜

AM11:00【HY】〜デュエット編〜

ボーカルの抑揚が非常に聞き取りやすいので、まず歌のダイナミクスに注目していきましょう。

音量の付け方には色々とやり方がありますが、このサイトでもよく紹介している、子音と母音の処理の仕方でボリュームを変える方法をやっていきましょう。

もうやり方を知っているという方も、この部分は歌詞によって難しさが変わったりするので、

確認するつもりで改めて練習してみましょう。

子音では音量（音圧）は出ない。

サビの入りのフレーズで説明しましょう。

【こわいくらいいおぼえているの】

ますは子音

• 入りの文字の【こ】を、音程は気にしなくていいので、伸ばさずに、強めに何度も言ってみてください。

次に【こ】にくっついている母音の【お】です。

【こ】は伸ばしていると、段々【お】になっていきますね。

• その母音である【お】を強めになんども言ってみてください。

どちらの方が、音圧を感じましたか？

間違いなく母音ですよね。

子音がおっきく感じたという人は、音圧というより、息の勢いを感じたんじゃないかと思います。

前提として、

• 子音は、伸ばしていると母音になる。
• 子音は、スピード感やアタックは出せるが音圧は出せない。

結論から言います。

音圧を感じるところは、母音をしっかり発声している。

この認識めちゃくちゃ大事です。

Aメロで確認。

かなり極端に言い切ったので、半信半疑の方もいるかなと。

冒頭のAメロの音圧が出ているところと、音圧が出ていないところで確認してみましょう。

音圧　低【それでもいい】

音圧　高【もどれないとしってても】

まず音圧が低い、冒頭の部分です。

薄めの声だというのは、分かりやすいと思います。

そこで母音に注目してください。

冒頭の【それでもいい】の部分は、どこも母音をあまり鳴らしていないんですね。

では、1番のAメロと２番のAメロの【それでもいい】を比べてみてください。

２番の方が音圧が出ています。

この音圧の違いは子音をはっきり言っているからでは無く、

子音の後に続く母音をしっかり鳴らしているから。

なんですね。

そして、強めに歌っているのが目立つ部分が、
【もどれないとしってても】です。

この赤文字の部分はかなり母音をしっかり鳴らしているのが分かると思います。

まだアレンジの抑えめな１番のAメロなのですが、

結構声を張っている印象です。

ここ以外でも音程が少し高めのフレーズにでは、割と強めのアプローチをしています。

注意して聞かないと分からない音圧のコントロールの歌い手が多いですが、

仲宗根氏は、かなりはっきりダイナミクスをつけます。

どんなところで、歌の抑揚をつけていいのか分からないという方は、

この曲をキッカケにダイナミクスのコントロールをしてみると、取り組み安いんじゃないかなと！

サビの口の開け方に注目！！

ダイナミクスをつけている要素として、もう１つ分かりやすいのが口の開け方です。

動画の0:39と3:08

この２箇所の口の開け方に注意して、改めて動画を見てみてください。

口の開け方が全然違います。

このコントロールをするかしないかで、声圧がかなり違います。

口の開け方のポイント

そして、口の開け方にもポイントがあります。

口の中にどれくらいの力を入れるか。

力を入れるというと、無理に力みすぎてしまう人もいると思うので、言い方を変えると、

口の中をどれくらい張るか。

口の中を張るというのは、あくびをする時にかかっている力だと思ってください。

どれくらいの力で張るかによって、声圧が変わってきます。

張れば張るほど、声圧が出てきます。

イメージとしては、

柔らかい素材で作られた壁の部屋で音を鳴らすか。

硬い素材で作られた壁の部屋で音を鳴らすか。

この部屋が自分の口だと思ってください。

完全に脱力をした状態で声を出してみると、

言葉ははっきり聞こえないし、声圧も出ません。

ある程度の緊張感を持たせた状態にしておくことがポイントになってきます。

自分が目指す声質を把握しておく。

このように、口の形、力加減を変えることで声のキャラクターが変わります。

脱力したらいい。

ある程度張った方がいい。

このあたりは、自分の中で出したい声のキャラクターが決まっていないと、

迷子になってしまいます…

特に、ある程度口の中の張り具合を強めにして力強い声が出たとしても、

そもそもそういう声質を目指していなかったのでは、本末転倒になってしまいます。

ステップとしては、

1. 体の使い方次第で、自分にも色々な声質が出せることを知る。
2. 自分がどんな声質で歌いたいのか、しっかりとイメージする。
3. そのイメージになるように、適した練習をする。

このようなステップで取り組んでみてください。

特に２番の、自分の目指す歌声のイメージを持つ。

この部分があるとないとでは、上達スピードも驚くほど変わってきます。

この機会にぜひイメージしてみてください。

以上、３６６日【HY】カラオケ歌い方解説でした。

それでは、また次回のブログでお会いしましょう。

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今回は、映画【天気の子】主題歌のグランドエスケープのカラオケ解説をしていきます。

作詞、作曲はRADWIMPSの野田洋次郎氏ですが、

この曲のボーカリストは、女優の三浦透子さん。

意外なコラボだなと思いましたが、声を聞いて納得！！といった人も少なくないんじゃないかなと思います。

透明感のある歌声がなんとも曲の雰囲気とマッチしています。

天気の子の主題歌や挿入歌は、少し大人向けの童謡のような、

いままでにない感覚にしてくれます。

こういうのを新ジャンルって言ってもいいのかななんて思ったり。

それでは、カラオケ解説に行ってみましょう！

テンポは倍でとる。

こういう静かな曲は、ゆったりとってしまう人が多いのですが、

広めにとってしまうと、どうしても緊張感のない歌になってしまいます。

この曲の歌詞を見ても、ただほのぼのしているような曲ではないですよね。

野田洋次郎氏の歌が入ってくる大サビの部分

２:15秒あたりですね。

ここから、キック（バスドラム）の４つ打ちが入ってきます。

4つ打ちが入っていようがいまいが、曲自体のテンポは変わっていません。

曲のテンポが変わらなくてもスピード感は変わるというのがよく分かる部分です。

この４つ打ちのスピード感を、最初の部分から感じて歌います。

４つ打ちの中にも違いを持たせる。

さてこの4つ打ちのリズムですが、

２:15秒あたりの、バスドラムが常になっているようなイメージだと、ちょっと激しいリズムになってしまします。

そこで１つの例ですが、

２：１５を境にリズムのイメージを変えてみましょう。

曲の始め〜2：１５　　  トン　トン　トン　トン

２:１５〜曲の終わり　　ドッ　ドッ　ドッ　ドッ

あまり変わらないように思えるかもしれませんが、

変わらない原因はイメージの弱さです。

ただのカタカナ読みで、トントンとかドッドッと鳴らしても効果は薄いです。

【トン　トン　トン　トン】

この部分は、少し高めのパーカッション（カウベルなど）が鳴っているイメージ。

【ドッ　ドッ　ドッ　ドッ】

この部分は、今回の曲でも使われているキック（バスドラム）が鳴っているイメージ。

しっかり鮮明に頭の中で鳴らすことで、実際のリズム感もかなり変わってきます。

２：１５を目安にリズムの感じ方を変えて歌ってみてください。

一定の音色を意識する。

これは、１本調子で歌うという意味ではなく、

裏声ベースと地声ベースの声質（声圧）を合わせるといった意味です。

１：４５辺りから始まるBメロ

【じゅうりょくが】【たいようが】【かれが】【せーの】

このフレーズの入り、赤文字の部分は、

裏声ベースのアプローチになっていますが、

そのあとのフレーズで地声ベースになっても、声色が極端に変わったりしていません。

ここで極端に声色が変わってしまうと、

裏声がすっぽ抜けて聞こえにくくなったり、やたらと音量差がついてしまいます。

良い意味での淡々とした印象がなくなってしまうんですね。

裏声ベースを強く、地声ベースを弱く。

これを解消していくのがミックスボイスだったりするんですが、

細かいミックスボイスの説明をするとかなり長くなってしまうので、

ここでは、声色を統一していく１つのコツを説明していきます。

裏声の方が声量がなくて、地声の方が声量がある状態が一般的だと思います。

ここでは、声の印象を統一したいわけなので、

裏声を強く、地声を弱く。

この状態にして、差を少なくしていきます。

両方一気にやると難しいので、

地声を弱くする方を先に取り組んでみることをオススメします。

地声の声量をおさえる際の注意点。

声量をおさえる過程でつまづきやすいのが、

いつの間にか裏声になってしまっていることです。

特に女性に多いのですが、自分の中で、地声と裏声の違いが分からないという方が多く、

声をおさえていくうちに、裏声になってしまいます。

声帯がしまっている状態のヘッドボイスになっていればそこまで問題ではないのですが、

声帯が開いた状態の、息漏れ声になってしまうと実際の歌ではあまり使えないものになってしまいます。

ポイントは、

• 地声の声量は抑える
• 声帯は完全閉鎖
• 息が漏れていない
• 地声ベースの発声

この辺りを意識して行くと、

人によっては、

自然とミックスボイスになって実際の歌唱でも即戦力となる歌声になっていることが多くあります。

この練習をしても、まだBメロの初めの部分で声色が変わってしまうという方は、

裏声ベースの声を強化をしていきます。

• 声帯は完全閉鎖
• 息が漏れていない
• 裏声ベースの発声
• 声の音量を少しあげる。

裏声ベースの練習で難しいのは、

低めの音階を声帯閉鎖したまま裏声ベースで歌うことです。

この状態の発声で、音程を下げていくと途中でどうしても声帯が開いてしまって、

息漏れごえになってしまいます。

その状態になっている時は、音程が低いと思い込みすぎていることが多いです。

その思い込みが息の流れる方向を変えて、息も声を下に溜まってしまいます。

この時はだいたいが息漏れ声になります。

音程が変わっても、

声が出ていく向き

声を出すイメージは、同じ位置で発声練習をしてみてください。

このように、地声ベースと裏声ベースの両方のアプローチの強化をしていきます。

• 音程に関わらず、安定した声で歌える。
• 高音部分で声を張り上げないようになる。
• 低音部分で息漏れごえにならない。

さまざまなメリットがあります。

今回の曲に限らず、色々な曲で使えるテクニックなので、ぜひ練習してみてください。

以上、グランドエスケープ【RADWIMPS】feat.三浦透子　カラオケ解説〜映画主題歌編〜でした。

それでは、また次回のブログでお会いしましょう。

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今回は、映画【天気の子】の主題歌【愛に出来ることはまだあるかい】歌い方解説です。

哲学的な歌詞を、おしつけがましくなく、小難しくなく、

幻想的なアレンジと野田洋次郎氏の歌声がなんともいえないファンタジーな世界観を演出しています。

野田洋次郎氏の特徴的な歌い方は、こちらでも紹介しているので、こっちも参考にしてもらえれば！！

なんでもないや【RADWIMPS】歌い方解説〜映画主題歌編〜

では、歌い方解説にいってみましょう！！

小節頭のメロディー（歌詞）を把握する。

歌詞を見ながら歌うと、歌詞のどの部分が小節の頭、１拍目に来るのか分からないで歌ってしまうことがよくあります。

まず冒頭のAメロ

【なにももたずに】【うまれおちたぼく】【とわのすきまで】【のたうちまわってる】

この赤文字になっている部分と青文字の部分で何が違うか分かりますか？

赤文字のグループは、

１拍目とメロディーのスタートが一緒になっているフレーズです。

青文字のグループは、

１拍目より前に、メロディーがスタートしているフレーズです。

青文字のグループの１拍目より前に始まっている部分を少し意識するだけで、スピード感が全く変わります。

言葉の説得力も増していきます。

【うまれおちたぼく】

【のたうちまわってる】

この２つのフレーズでは、赤文字の部分が小節の１拍目にあたります。

この部分の音量感はこうなります。

【うまれおちたぼく】

【のたうちまわってる】

実際の歌を聞いてみると良く分かると思いますが、

小節前からメロディーが始まっている部分は、装飾音のようなイメージで、

小節頭（１拍目）のメロディーに重きをおいて歌うと非常に耳障りの良い歌い回しになります。

１拍目より前にメロディーが始まっている部分は全部そのように歌わないといけないわけではないんですが、

基本的にそのように歌った方が、説得力のある歌になりやすいので、その部分をチェックしてみてください。

飽きさせない工夫を！！

この曲は、メロディーラインのバリエーションがかなり少ない構成の曲になっています。

Aメロ、サビの構成です。

それに加えて、大サビが入ってくるんですが、

基本的には、Aメロとサビの部分が大半を占めています。

歌詞は違えど、同じメロディーが続くので、他の曲以上に飽きさせない工夫をしたいところです。

曲自体も長いので、１本調子の歌になってしまうと、聞いている人が疲れてしまいます。

色々とやり方はあるんですが、この曲で野田洋次郎氏の歌の変化に注目してみてみましょう。

【それでもあの日の】

ひたすらAメロが続く曲ですが、その中でもこの部分から、少し声色が変わっています。

動画の1:１９あたりです。

共鳴部分を変化させていく

その部分までは、囁くように歌っていましたが、サビに向けて声色を変えて行っているのが良く分かります。

少し低音の成分が増して、説得力を出しているような声色です。

囁くように歌っている部分は、主に鼻腔共鳴で歌っています。

【それでもあの日の】

この部分からは、口腔共鳴を強めにしています。

少し口を縦に開けて、今までのフレーズより、口周りを軽く張ります。

試しに、【それでもあの日の】の部分を、

1. 完全に口周りを脱力した状態
2. 軽くあくびをして張りを持たせているような状態

で歌ってみてください。

声色が変わるのが分かるでしょうか？

１の状態は、かなりソフトな歌声に

２の状態は、低音成分が増されて、声の圧力が出る歌声になります。

２の状態で、口の中の張りを強めれば強めるほど、ハッキリとしたパワフルな声が出ます。

西川貴教さんのようなテイストです。

この曲の場合、同じメロディーが続くので、

口の張りがずっと同じような状態にするよりは、変化させていった方が、音色のバリエーションがついて、歌に面白みが出ます。

アレンジに沿って声色を変えていく。

どういった部分で声色を変えていけば、なかなか分かりにくいかもしれません。

そこで１つの指標として、

アレンジのダイナミクスに沿って変化させていく。

この意識を持っていればほぼほぼ間違いありません。

まれに、オケは盛り上がっているのに歌は呟くように歌っているような曲もあるんですが、

それはギャップを狙ってあえてやっているような場合です。

動画の1:１９あたりの、

【それでもあの日の】

このあたりから、ループと言われるリズムを感じさせるパーカッションのフレーズが増えていきます。

それに沿って音色が少しだけ力強くなっています。

逆に、動画3:０４秒あたりは、

【さだめとはつまり】

この部分は、ドラムやストリングスで盛り上げていた状態から、音数が一気に減ります。

かなり静かなオケになっている部分で、

サビの部分のように、勢いのある声でハッキリ歌いすぎると、歌だけが大きくうるさい印象になってしまいます。

なので、この部分もしっかりオケにより沿って、囁くような歌声に変化させていきます。

歌詞だけを見ていると、どうしてもオケが耳に入らず、

歌だけが一人歩きしてしまうようなことがよくあります。

他の楽器と同様に、

歌も曲を構成する１部分

このような意識で歌い、

他の全ての楽器にも意識を向けることで、

曲のアレンジ沿った自然な歌になっていきます。

先ほどの、飽きさせない歌という部分にもしっかり繋がっていく大事な部分です。

今回のような、曲の時間が長い大作ではいつも以上に重要な要素となっていくので、

この部分をしっかり注意して練習してみましょう。

以上、愛にできることはまだあるかい【RADWIMPS】歌い方解説〜映画主題歌編〜でした。

それでは、また次回のブログでお会いしましょう。

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今回は、映画【天気の子】の主題歌の１つである【なんでもないや】の歌い方解説をしていきたいと思います。

この曲以外にも天気の子の主題歌をRADWIMPS担当していますが、

どれも名曲揃いで、どの曲も繰り返し聞いても飽きない不思議な魅力がありますね。

ボーカル、野田洋次郎氏の空気感が、映画にも今の時代にもすごくマッチしているんじゃないかなって思ったりします。

どこか安心感があるといいますか、ホッとする歌声ですよね。

では、その魅力に迫って行きましょう。

歌い方解説スタート！！

どこか頼りない主人公像を表現する。

この曲に限らず、RADWIMPSに出てくる登場人物は、

無敵なヒーローと言うより、どこか頼りなく、でも情けなくはない。

しっかりと前を向いていて、勇気をもらえるような人物に描かれていることが多いです。

この人物像が野田洋次郎氏の歌声と見事にマッチングしているというのが、

分かりやすくRADWIMPSの魅力の一つになっているのではないかなと思います。

さてこの人物像を表現する歌声を作っていきましょう。

息の吐き方を広くする。

野田洋次郎さんの歌声は、

どちらかと言うと、比較的ゆったりとした印象を受けます。

それに比べると、以前紹介したUNISON　SQUARE GARDENは、早めの印象です。

シュガーソングとビターステップ　難しい定番曲を歌いこなせ！！UNISON SQUARE GARDEN〜アニソン編〜

曲調にもよりますが、

どちらのバンドもギターロックサウンドを土台にしつつ、これだけ印象が変わるのは、アレンジの違い以上に、

やはり歌声の効果が大きいのではないかなと思います。

この独特な雰囲気の歌声のコツですが、

息の吐き方をコントロールしていきます。

息を吐く際に、吐く量をコントロールしたりすることはあったかと思いますが、

広く吐く。

狭く吐く。

などのコントロールはあまり意識したことがないと言う人もおおいんじゃないかなと思います。

横の矢印を意識する。

この、広い狭いのコントロールですが、

息を吐く際の横の矢印を意識していきます。

今回の曲のように、少しゆったりめで優しげな歌声にしたい時は、

顔の全面を覆うようにして息を吐いていきます。

息だけというより、声自体で覆うように出来るといいですね。

口は後ろに引っ張る！！

息の吐き方に加えて、口の開け方も変えていきます。

野田洋次郎氏、そこまで大きく口を開けて歌ったりはしていません。

と言うより、あまり口を開けないで歌うことが多いです。

それでも言葉が聞き取りやすいのは、子音の発声が綺麗に出来ているからなんですが、

その説明の前に、

口を開けない代わりとなる、口の奥の広げ方です。

まず、口をすぼめて唇周りに少し力をいれて、【ウー】と言ってみてください。

唇が少しとんがるような形になるのがわかるかと思います。

この状態だと、息も声を割とまっすぐに出てしまうので今回のテイストでは使いません。

今回の口の形は、

【ヒーと言いながらあくびをする】形です。

軽く横に広げながら、口の中を少し広く使うようにします。

この時に、あまり口周りに力を入れないようにしつつ、その形を維持しながら歌います。

それに加えて、先ほど説明した息の吐き方を加えます。

まとめると、

唇を軽く横に広げながら、口の中を少し広く使う。
顔の全面を覆うようにして息を吐いていきます。

その状態で息が吐けるようになったら、それを維持したまま声をのせていきます。

これで優しめの、軽く息混じりの声になっていきます。

特にAメロの音程があまり高くない部分で効果的なので、練習してみてください。

ソフトな歌声に、フックとなる子音のアクセントをつける。

口をあまり開けないで歌う野田洋次郎氏ですが、

言葉は非常に聞き取りやすいですね。

派手すぎず、音圧も出すぎてないアレンジが多いということもありますが、

何より、しっかりとした子音のコントロールがとても上手なんです。

１番のAメロの後半部分を例に説明していきましょう。

【きょうはあたたかくかんじました】

【ゆめのかたりかたも】

他に特徴的な場所はいくつもありますが、この赤文字の部分は、

流して聞いているとなかなか気づかなかったりしますが、改めて聞くとすごくしっかり子音を発音しているのが分かると思います。

他には、サビの入りの部分

【ぼくらタイムフライヤー】

この【タ】の部分ですね。

この部分の子音をしっかり強調して歌うことで、

ぼくら、

タイムフライヤー

このように１ブレスのメロディーの中で、しっかり文節を区切って聞かせることができます。

なおかつ、この曲のキーワードとなっている【タイムフライヤー】という歌詞の印象付けも出来ているんですね。

これが、【タ】の部分を特に意識せずに１フレーズ歌ってしまうと、

【ボクラーターイムフライヤー】

全部カタカナで表記してみましたが、ふざけているわけではなく、実際にそのように聞こえてしまうんでしすよね。

【ぼくら、タイムフライヤー】

【ボクラーターイムフライヤー】

この２つだったら、やっぱり上の方が聴き心地が良いんですね。

文節の初めの子音に気をつける。

どこで子音を強調するかなかなか分からないと言う人もいると思いますが、

結論から言いますと。

好みです！！

色ん人がカバーしたりしていますが、各々歌い回しが違ったりするのは、好みだったりセンスが違うからです。

実際それで良いんです！

ひとまずの判断基準としては、

文節の初めの言葉を強調してみる。

です。

これでやってみて、ちょっと大げさだなというところを削っていくと、

わざとらしくないニュアンスになっていきます。

メロディーラインが一緒でも１番と２番で歌詞が違います。

それの影響で、違った箇所が強調されるなんていうことも多々ありますので、

歌詞カードとにらめっこしながら、何度もメモをとって、

言葉のアクセントをつけるところを見つけだしてください。

RADWIMPSの曲は、他にも記事を更新していくのでお楽しみに！

以上、なんでもないや【RADWIMPS】歌い方解説〜映画主題歌編〜でした。

それでは、また次回のブログでお会いしましょう。

The post なんでもないや【RADWIMPS】歌い方解説〜映画主題歌編〜 first appeared on 横浜・あざみ野のカラオケ,ボイトレスクール.

今回は、HYのAM11:00について歌い方解説していきたいと思います。

HYの代表曲で、３６６日と並んでカラオケのランキングにも度々登場する曲ですね。

インディーズで発表されながらも、オリコン１位を獲得したり、この曲のキャッチーさもさることながら、そう言った部分も注目を浴びていました。

男性のメインパートあり、女性メインパートあり、ハモりあり、ラップありで盛りだくさんですが、

この曲いろんな意味でおすすめです。

盛りだくさんではあるんですが、曲のアレンジやメロディーラインが、ハモりのパートが聞き取りやすいんですね。

ハモりの楽しさなんかを味わいやすく、キーの設定もあまり高くないので練習もしやすい、

さらに！！

異性とデュエット出来る貴重な曲でございます笑

それでは、歌い方解説に行ってみましょう。

ストレートに熱く！！

男性パートと女性パートが分かれているので、お二人の癖や歌い回しのは解説はソロボーカルの曲にお任せして、

今回はメロディーの肝となる部分や、難しい部分に触れていきましょう。

先ほども言った通り、アレンジ自体も豪華なサウンドと言うよりは、シンプルなものになっています。

歌に関してもそこに逆らわず、ストレートに歌いきりたいところです。

下手にカッコつけると、この手の曲は聞いてて疲れます…

加えて、聴く人によっては気持ち悪い印象を持たれてしまったり…

喉にひっかかりやすい部分を把握する。

メロディーのラインが上昇しているような場所では、上がっていく部分で引っかかり、喉声になりやすいです。

もしくは下顎のあたりの音が溜まってしまう状態です。

この曲のAメロみたいに、キーレンジがあまり高くなく、優しめに歌うところは声が張れません。

冒頭Aメロの部分

【めをさましてよ】

Aメロ後半部分

【もうすこしだけ】

サビ中間部分

【きみがすきだから】

赤文字の部分が、このメロディーラインの１番高いところです。

この高い部分にだけ意識が行ってしまうと、

音量が極端に上がってしまったり、必要以上に力んでしまったりします。

跳躍進行のコツを理解する。

跳躍進行と言う言葉、始めた聞いた人も多いんじゃないかと思います。

跳躍進行と順次進行、もしくは同音連打の３つでメロディーラインは構成されています。

簡単に説明すると、

順次進行

隣あった音へ進行すること、ド→レなど。

跳躍進行

３度以上の離れた音へ進行すること、ド→ミなど。

同音連打は、言葉の通り同じ音の繰り返しですね。

跳躍進行の際に、次の音が離れていれば離れているほど、

メロディーラインが派手になります。

オクターブ飛ばしとかド→ソのような５度進行は、メロディーラインの派手さがあるので、非常に良く使われます。

印象的なメロディーや、派手さを感じさせるメロディーは跳躍進行が多く含まれているわけなんですね。

と言うことは、その部分のコツなんかがわかっていると歌いやすくなる箇所が増えていきます。

では先ほどの例に戻ります。

サビ中間部分

【きみがすきだから】

この部分、赤文字の前のメロディーが一旦下がってますよね。

その部分で低いイメージを持ちすぎてしまうと、その次の【だ】の部分がひっかかりやすいんです。

それをさける為に、低いところも声をあてる部分を同じにします。

低い部分は声が下がりやすい。

自分が一番出しやすい音程より下の音程に関しては、声が下がりやすくなります。

下がるというのは、音程というよりは声を出す場所が下がるイメージです。

もちろん声は口から出るんですが、

声を出す場所のイメージをもっと上に持っていきます。

口を半分に割って、

上顎側から眉間

この部分から声を出すようなイメージです。

実際には声が共鳴する部分が、口腔から鼻腔、頭蓋骨になるような形です。

もちろん色々な響きを組み合わせて、声色を作っていくのですが、慣れないうちは音程に関わらず、

固定してしまうとやりやすいでしょう。

割と同じ声色、共鳴腔で歌うのは、最近だと。

米津玄師さんやLiSAさんが分かりやすいです。

R&Bルーツの歌い手は割と共鳴腔を変えて歌う印象があります。

同じ声色で歌い切る練習。

口の上顎部分を使いやすい母音は、【イ、エ】です。

もごもごと発生するのではなく、ちょっとやりすぎかなと言うくらいに分かりやすくイ、エの口を作ってみてください。

個人的には【エ】の口の方がオススメです。

思いっきり、エの口を作ると、首の横筋に張りを感じると思います。

首筋が張るくらいに力をいれてしまうと喉がしまってしまうので、エの口を作ったまま少しづつ脱力をしていきます。

脱力していく過程で首筋の張りがおさまる力具合があるので、そこまで脱力。

その口の開け方と力のいれ具合のまま、

全てエの口で歌います。

この時に、先ほど説明した上顎と眉間までの部分を共鳴させるようにします。

鼻声になってしまう人は、口の形は同じまま、少し鼻から空気を抜いて声を出していきます。

ある程度、鼻腔共鳴の感覚が掴めてきたら、

エの口のまま、歌詞をつけて歌います。

エの口が維持しにくい言葉があると思いますが、歌詞や音程に関わらず、なるべく維持したまま歌い切ります。

この状態で、エで全て歌った時と同じように、同じ声色が維持できていればオーケーです。

どこかで極端に声色が変わったり、口の下側に声がたまってしまうような状態になる人は、

また母音だけで練習してみてください。

今回は、エの母音で練習しましたが、ある程度できるようになったら他の母音で出来るようになったら、

他の母音でも練習してみてください。

このような形で、同じ声色で歌い切るようになると、

カッコつけにくい曲や、アレンジがシンプル目な曲でも、

しっかりマッチした歌声になっていきます。

まずは、それを練習して、そこから共鳴腔を変化させて行って、声色のバリエーションをつけていきましょう。

ラップの部分まで解説できなかったので、別の記事で解説させていただきますね。

以上、AM11:00 HY　〜デュエット編〜でした。

それでは、また次回のブログでお会いしましょう。

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今回は、リクエストを頂いたこの曲。

フジファブリックの若者のすべてを解説していきたいと思います。

フジファブリック、もしかしたら初めて名前を聞く方もいるかと思いますが、

ap Bank fesで桜井さんが歌ったり、

発表から１０年近く経って、LINEモバイルのCMソングに使われたり。

記憶に新しいところだと、ミュージックステーションにボーカルの志村正彦氏の没後１０年に、本人の歌唱映像も交えての初出演があって、また話題になっていたりします。

今回は、志村さんバージョンの解説をしていきたいと思います。

圧倒的なノスタルジック感

志村さんの歌声、歌詞、アレンジ、全てが相まって、この曲の圧倒的なノスタルジック感を演出しています。

ノスタルジックは、簡単に言うと故郷を懐かしく思うような意味合い。

故郷と言うわけでは無いんですが、学生の頃の、どこか切ないような。

この曲を聞くと、いつでもそんな気分になったりします。

そんな不思議な力があるんじゃないかなと。

さて、このノスタルジックな雰囲気をどう表現するかというところが問題です。

テンポの早いロックとも違うし、フォークソングとも何か違う。

こう言ったある意味、掴み所のない曲は、表現するのがなかなか難しかったりします。

カッコつけたりとか、騒げちゃう方がよっぽど楽なんですよね。

そこで、この歌のテイストのヒントをいくつか。

常に少しだけ遅いイメージ

リズムにピッタリ合った歌、まず多くの人が目指すところはこの部分だと思います。

この曲もそれで行きましょう！

と言いたいところなんですが、志村さんの歌ピッタリな位置より、少しだけ遅らせているんですね。

リズムの許容範囲を知る！

このブログを読むまで、少しだけ遅れたタイミングの歌というのに気づかなかった人も多いんじゃないかと思います。

歌だけじゃなく、多くの楽器にも言える事ですが、

遅れすぎ、

早すぎ、

と言った歌はあまり良い印象になりません。

その印象を与えない許容範囲があります。

いわゆるギリギリセーフ。

ここを目指していきたいわけです。

リズムにジャストの位置とギリギリセーフの位置の中で、

どの辺りのタイミングなら、自分がイメージした雰囲気を表現出来るのか。

そんな意識をすることが大切です。

自分はリズムが早くなっちゃうから、ゆっくり歌おう。

練習の際は、その部分に気をつけて練習したりするんですが、

実際の歌唱では、自分がどんな歌を歌うかイメージを優先していきたいところです。

そのイメージ通りの歌にするにはどうしたらいいか。

という部分が無意識に出来るようになっていることが好ましいです。

リズムの取り方（聞き方）を変える。

毎回、遅く歌おうなんて考えながら歌っていたら、それこそ取ってつけたような歌になってしまいます。

そこで、根本的なリズムの取り方と聞き方を変えます。

いくつかやり方があるんですが、割と簡単なやり方を紹介します。

次の拍を取りに行かない。

 リズムに意識が行き過ぎると、ついつい次の拍に取りに行って、なんともせわしないリズムになってしまいます。

試しに少し前屈みになって、頭を軽く動かしながら、テンポに合わせて体を動かしてみてください。

いかがでしょうか？

次の拍を待ちきれないような感覚になってきませんか？

この状態で歌うと、当然と言えば当然ですが、

歌も慌ただしくなります。

という事は、前屈みでこの状態になるので。

むしろ、反る！！！

もちろん反りすぎたら、とても歌えたもんじゃないので適度にやらないといけませんが。

リズムを感じる意識を体の前ではなく、後ろに持っていきます。

腰回りの背中側、その辺りに１つの支点を置くような感覚。

そこに意識を向かせつつ。

リズムのイメージを、

タッ タッ タッ タッから

ターンターンターンターンに変えてみましょう。

どの曲もその取り方がいいってわけではないんですが、

この曲に関しては、

体の後ろ側、それに加えてターンターンターンのリズム。

この２つ意識を常に持ちながら歌うと、良い具合のゆったり感が出てくるので試してみてください。

体の中心でリズムを感じる

音楽に関わらず、体の先端に行けば行くほどコントロールが難しくなっていきます。

もちろん手先の方が向いている作業もあるんですが、

基本的には、体の芯から四肢が動くのがベストです。

頭や手を動かすと、リズムを取っているように感じるかと思いますが、

体の芯が動くのと連動して、自然と体の先端の部分が動いていく状態を目指しましょう。

言葉のスピードをコントロール

音のスピード感は、立ち上がりや、アタックなんて言われたりしますが、

このスピード感が聴き手に与える影響は、音程以上に大きかったりします。

このスピード感が早いボーカリストは、

ポルノグラフィティの岡野昭仁さんや西川貴教さん。

スピード感が遅いボーカリストは、

手嶋葵さんや、RADWINPSの野田洋一郎さん

あたりが顕著にわかりやすいです。

もちろん全曲全部分でその歌い方をしているわけではないんですが、全体的な印象はそのようなイメージです。

この曲での志村さんはどちらかお分かりですか？

そうです。

遅いスピード感です。

せっかくリズムが少しためて歌えているのに、言葉がハキハキしすぎるとその効果も薄れてしまいますしね。

言葉のスピード感を変える方法はいくつかあるんですが、今回はその中の１つを紹介していきます。

子音から母音に繋げるスピードを遅くする。

サビを例に説明します。

【さいごの】【はなびに】

ここのふたつが分かりやすいですね。

この赤い文字の部分。

少ししゃくりをいれているんですが、それに加えて、

のぉ〜

にぃ〜

になっていますよね。

子音と母音を分けないで一文字で歌うほど、ハッキリとシャープな印象になっていきます。

今回は逆のパターンなので、

1. 子音の口をつくる。
2. 下で子音を鳴らす。
3. ゆっくりと母音に繋げる。

この順序です。

３番の母音に繋げるスピードが遅いほど、ゆったりな印象の歌になります。

やりすぎると、おかしな癖をつけて、くどくなってしまうのでやりすぎ注意です。

この言葉の言いまわしでm歌の印象をかなり変えて行く事ができます。

歌詞を１文字づつとらえて、母音とわけないようにすると、

シャープで明るめ、はっきりとした印象になります。

子音と母音を分けて捉えて、なおかつ母音を鳴らすまでのスピードを遅くするほど、

ゆったりで暗め（切なげ）、くもった印象になります。

最近リリースされる曲は歌い回しが早い曲が多いので、

なかなかためて歌ったり出来ないと思うのですが、

今回のようなミドルテンポの曲では、哀愁漂う素敵な雰囲気になります。

ぜひこの曲もレパートリーに入れて練習してみてくださね。

以上、若者のすべて フジファブリックでした。

それでは、また次回のブログでお会いしましょう。

The post 若者のすべて【フジファブリック】歌い方解説 first appeared on 横浜・あざみ野のカラオケ,ボイトレスクール.

今回は、皆さんお待ちかね。

【米津玄師】氏でございます。

最近の音楽シーンはこの人を中心に回っていると言っても過言ではないくらいの八面六臂の活躍でございます。

アニメ【僕のヒーローアカデミア】のオープニングテーマで、アニメの雰囲気にも非常によくマッチしたメロディーやアレンジ、歌詞になっていますね。

ちなみに私めは、お茶子が好きですはい…

ということで早速解説に行ってみましょう！！

口を半分に分ける。

さて大人気の米津氏、

声の音色は思ったほど多くありません。

どちらかというと声色のバリエーションは少ないタイプです。

それでも飽きずに聞いていられるのは、メロディーの良さや、

そのメロディーにマッチングした歌詞をはめるのが圧倒的にうまいんですね。

「米津玄師の歌詞が好き！！」

という方も大勢いるんじゃないかなと。

上顎の使い方に注目

以前のブログで、ボイスポジションの説明をしました。

UNISON SQUARE GARDENですね。

こちらの記事と同じように、米津氏もほとんどのフレーズをボイスポジションにあてて歌っています。

シュガーソングとビターステップ　難しい定番曲を歌いこなせ！！UNISON SQUARE GARDEN〜アニソン編〜

そして鼻腔弁と呼ばれる、鼻の奥にある弁をかなり閉じた状態で歌っています。

いわゆる鼻声の状態。

これまたUNISON SQUARE GARDENの時も説明しましたが、

細かく詰まっているいるメロディーラインの曲を歌うには、

取り回しのききやすいこの声の出し方がよく使用されます。

９０年代以前のボーカリストより、鼻声のボーカリストが圧倒的に増えたのもうなずけます。

米津氏の場合、ボイスポジションにあてるだけじゃなく、

上顎の微妙なコントロールで、ニュアンスをつけています。

上顎の部分を平たく使ったり、

あくびをした状態のように上顎を持ち上げて、

音色の変化のつきにくいことの多い鼻声に、フックをつけています。

歌詞でいうと、このあたり。

１番Bメロの

【定まってるとして】

この、【て】の部分。

もともと、エ行は口が横に開きやすい言葉ではありますが、それに逆らわず口を横に平たく使っています。

対して、１番Bメロの最後の部分。

【この心を】

少し伸ばすフレーズとなっています。

オ行は縦に開きやすい言葉ですが、下顎をさげるというよりは、上顎の奥の軟口蓋と呼ばれる部分を、持ち上げて少し声を太めにしています。

イ、エ族　オ、ウ族を理解する。

言葉によって、口のどの辺りが響きやすいのか、どの辺りを使うのかが決まってきます。

これが面白いところでもあり、、難しい部分でもあります。

【イ、エ】

【ア】

【オ、ウ】

このような分類が出来ます。実際に口に出して言ってみてください。

イ、エのように、口が横に広がるような言葉は上顎をよく使う形で、硬質な音に。

ウ、オは、口を縦にあけるので下顎のあたりに響きやすくなります。

アは、中間と言いますか、一番ベーシックなバランスの良い響きです。

米津氏の口の特徴

実際に米津氏が歌っているところや、写真などをみたことにある人は分かると思うんですが、

米津氏の口、横に広いんです。

この特徴に逆らわずに歌っています。

横に広いと言うことは、どの言葉を発する時も比較的に【イ、エ】のニュアンスが強くなってくると言うことになります。

他に似てるタイプの口の形だと、今井美樹さんあたりが口が横に長いタイプです。

反対に口を縦に開けて豊かな低音で歌っているのは、

コブクロの黒田さんがイメージしやすいと思います。

高音部分より、中低音あたりのふくよかな歌声が印象的なのはそのためです。

今回の曲のように、フレージングが細かく、曲のテンポの早い曲では、

小回りの聴きやすい【イ、エ】行を意識すると歌いやすくなります。

鏡でチェック

と、言うことで自分の口を鏡でチェックしてみましょう。

自分が横に広いのか、縦長タイプなのか、なかなか分からないと思うので、

単純に米津氏と比べて、広いか狭いか見てみましょう。

もし、自分があまり広めなタイプじゃない場合は、基本的に少し横に広げるような状態で歌ってみると、

上顎を使う感覚になりやすいです。

１文字づつハッキリ言う。

日本語は、母音言語と呼ばれていて英語なんかと比べると比較的に母音が強く出ます。

言い方をかえると、子音をしっかり言わなくても日本語として認識されてしまいます。

ハキハキなんて言われなくても…

と思った人も多いと思いますが、驚くほどハキハキ歌えている人はいなかったりします。

冒頭のAメロで説明しましょう。

【いつかぼくらのうえをすれすれに】

無意識に歌うと、

【いうあおうあおうえおうえうえい】

こんな感じになってしまいます。

これはちょっと極端に例ですが、

試しに鼻歌でいいので、

【いうあおうあおうえおうえうえい】

歌ってみてください。

思ったよりそれっぽく聞こえませんか？

このそれっぽく聞こえるっていうのが落とし穴です。

それっぽく聞こえるがゆえに、よっぽど滑舌が悪い人でもない限りは、誰かから指摘されることもなくその歌い方に慣れてしまいます。

米津氏は、めちゃくちゃハキハキ歌うタイプではないのですが、中途半端にハキハキと歌うより、

大げさに、口が疲れるくらいにハキハキと歌ってみましょう。

ハキハキさせる部分を上顎に調整する。

そこから、さきほどお伝えした通り、上顎の方をハキハキ使うように調整していきます。

下顎をカクカクさせすぎると、疲れるし、開けすぎて自分の喉元をしめるような結果になってしまいます。

広角を少しあげて、通常の口の位置より上顎を持ち上げるようにして、

１文字づつ確かめるように歌っていきます。

これに慣れてくると、これぐらいのスピードの曲でも、

言葉も明確に聞き取りやすくなりますし、

米津氏のような硬質なタイプの声質で歌えるようになっていきます。

それがある程度出来るようになってきたら、ニュアンスを加えていくような形です。

ここまでの説明で、かなり長くなってしまったので、

細かいニュアンスはまた別の曲を参考にして解説していきますね。

以上、ピースサイン　米津玄師　カラオケ歌い方解説〜アニソン編〜でした。

それでは、また次回のブログでお会いしましょう。

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今回は【キスだけで】菅田将暉feat.あいみょんについて解説していきたいと思います。

男女のデュエットですが、通常のデュエットと違って、

男女の担当が逆になっております。

女性を表しているであろう部分を菅田将暉氏。

男性を表しているであろう部分をあいみょん。

という感じで、なかなか面白い試みでございます。

昭和歌謡なんかにはよく見られましたが、最近だと珍しいですね。

ちなみに、アーティストネームがフルネームの人は、さんや氏をつけてますが、

ニックネームになってたり、ユニット名には、さんをつけないで表記しています。

特に深い意味はないんですが、読んでて違和感あるかないかってくらいなものなので、そう認識していただければと思います。

では、曲の解説にいってみましょう。

登場人物の距離感をイメージする。

この曲、なかなか歌詞が大胆でして、直接的な表現もちょこちょこ出てきたりします。

曲調からもわかる通り、静かな雰囲気で歌うってところはどなたもすぐイメージ出来ると思うのですが、

ただ静かに歌うっていうだけだと、ただの小さな声になってしまいます。

そんな時に、判断材料の１つとなるのは、

登場人物の距離感です。

精神的な距離感もそうなんですが、この曲に限らずあいみょんの曲は、

景色や状況が描写されていることが多いです。

これは、私の勝手な解釈が含まれますが、でもってちょっと過激な表現になってしまいますが。

【私今日は女だから】

これ多分、【私今日はあの日だから】だと思うんですよね。

それに加えて、

【そっと触れていたい】【背中合わせの夜】

という節があります。

ということは２人は、

同じ場所、それも手の届く位置にいるんです。

その距離の人にささやくような歌が適しているんじゃないかなと思います。

どの距離の人に伝えるかで声（歌）は変わる。

• 近くの人にささやく時
• 向かい合ってる人と話している時
• 遠くの人を呼ぶ時

伝えたい人がどれくら離れているかで、声は変わっていきます。

これは話す時だけのことじゃなく、歌う時にも重要なイメージの１つです。

ボイトレを受けたり、自分で練習して声量があって良く通る声が出るようになったからと言って、

全部そのようにして歌ってしまうと、空気の読めないうるさい歌になってしまいます。

【キスだけで】は、相手との距離はかなり近い状態ですよね。

基本的な歌声は、目の前の人にむけて歌うようにすることが大事です。

息の吐き方が変わっていることを認識する。

距離感を意識をすることで、声に影響する部分は多々ありますが、

ここでは息の吐き方の違いにフォーカスしてみましょう。

近くの人に向けて歌う時。

息を顔の前面に充満させるようにフワッと吐く。

このようなイメージです。

実際の歌声を注意して聞いてみてください。

２人の声にかなり息が混ざっているのが分かるかと思います。

この声がなんとも言えない切なさを感じさせます。

理屈では、声帯の力が抜けて息が少し漏れているいるような状態です。

息が個性になる。

その昔、桃色吐息なんて曲もありましたね。

息っていうのは、色気だったり、妖しさだったり切なさ、艶なんかを感じさせる効果があったりします。

ただ単に声を張るような歌より、その人自身が持つ色気を感じさせやすいんですね。

この曲に関しては、2人の登場人物の距離感は変わらないので、全体的に少し息を多めの意識で歌ってみるのがいいでしょう。

力みのない高音を！！

この、少し息混じりの声ですが、

低音部分と、高音部分でそれを維持するのが難しいのが問題です。

低音部分では、

息が漏れすぎてスカスカの声になってしまう。

高音部分では、

声を張り上げてしまって喉声になってしまう。

こんな状態になってしまう人も少なくないんじゃないかと思います。

これはもうどんな人も最初はそうなので、落ち込む必要はありませぬ。

歌では、地声の方が出してて楽な部分と、裏声の方が楽な部分があります。

これをなんども行き来しながら、同じ声質でやろうっていうんだから難しいのは当然です。

安定した息混じりの声を使えるようにするエクササイズ

ということで、このコントロールが出来るようにすためのエクササイズをご紹介。

1. 口を閉じて、【ンー】のハミングで歌う。
2. 口を半開きにして【ムー】のハミングで歌う。
3. 口を実際の歌唱の時と同じようにして【ハー】のハミングで歌う。
4. ハミングの状態で、歌詞をつけて歌う。

この練習は、音程の高低に関わらず、同じ声質で歌えるようにする狙いがあります。

最初は口を閉じて、力みにくいように。

そこから実際の歌唱に段々近づけていくという流れですね。

レッスンでは、いきなり曲で歌わず。

狭い音域のハミングで練習、段々音域を広げていき、

実際の歌唱にしていくことが多いです。

いきなり曲で実践するのはなかなか難しいので、音階練習から行うのですが、

この曲は、比較的にテンポもゆっくりで、音程の高低差もそこまで広くないので、

曲で練習するやり方でも大丈夫です。

曲ではなかなか難しいなと感じた方は、ピアノを使ったりして音階練習から初めてみてくださいね。

音程に左右されず同じ声質で歌えるようになると、

すごく自然体な歌が歌えるようになります。

特にバラードのAメロなんかで効果を発揮するので、練習してみてください。

以上、

キスだけで　歌詞の意味と歌い方解説菅田将暉feat.あいみょん〜デュエット編〜でした。

それでは、また次回のブログでお会いしましょう。

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